Gojira - Magma

Rilasciato: 17 Giugno 2016
Etichetta: Roadrunner Records
Country: Francia
Genere: Death Metal/Progressive/Groove

Molto atteso dai metalheads di tutto il pianeta finalmente oggi è stato distribuito il nuovo lavoro dei francesi Gojira, gruppo di punta di un certo metal estremo, figlio del groove più lento e lisergico del death anni 80 mischiato a certi meccanismi progressive e thrash.

L'album è stato anticipato dai singoli Stranded e Silvera, il primo nei canoni della band con qualche spruzzata melodica nei refrain, sound nuovo alle orecchie degli appassionati; il secondo più sognante, con echi pinkfloydiani che non guastano, anzi, danno l'ennesima conferma dell'impegno nella loro ricerca sonora. La voce di Joe Duplantier si conferma tra le più belle, anche nelle numerose prove clean, del panorama extreme e nonostante la vena melodica dei singoli sia più marcata, rimane possente l'approccio aggressivo della band a tutto ciò che è il loro marchio di fabbrica: le devastante ritmica e megalitici riff di chitarra.

Interessante la scelta del brano d'apertura, The Shooting Star, a metà tra i Mastodon dell'ultima era - quindi molto space - e la psichedelia dei primi Pink Floyd, con tanto di voce pulita reverberata. Con The Cell si ritorna ai ritmi sincopati tanto cari a quel fuoriclasse che è Mario Duplantier, batterista eccelso: la sezione ritmica regala uno dei loro groove migliori, tra i più cattivi. Il resto dell'album alterna momenti di intima calma - Low Lands - ad altri in cui emerge il loro vecchio sound - la title track - con questa nuova veste melodica che non stona, anzi, rende il tutto nuovo ed entusiasmante.

Magma è un album che nel complesso risente della scomparsa della madre dei Duplantier durante la stesura dei brani: è tutto molto oscuro, è una camera buia senza spiragli di luce e, per la prima volta nella loro produzione, la cattiveria dell'esecuzione lascia spazio a questo malinconico, nerissimo, andamento funereo. Non è un disco facile come atmosfera, se parliamo di mera tecnica e scrittura dei brani, invece, è sicuramente il loro lavoro più semplice, diretto ed accessibile.

Il brano di chiusura, Libération, catartico, è ridotto all'osso: una sezione ritmica tribale e una chitarra essenziale per 3 minuti e mezzo strumentali, in maggiore, l'unico brano in cui sembra entrare uno piccolo spiraglio di luce nel devastante buio di tutto questo Magma.

Per chiudere, Magma non è un capolavoro, è un album che aggiunge un tassello particolarmente oscuro alla scrittura di uno dei gruppi più importanti del panorama metal moderno, un album in cui la rabbia e la cattiveria della vecchia produzione, lascia spazio al cantato ora pulito di Joe, con le ritmiche devastanti, loro marchio di fabbrica e gli eccezionali riff di chitarra cui ci hanno abituato.

The Social Network

di David Fincher

con Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake

Purtroppo è successo: il primo passo falso nella carriera di David Fincher. Mi dispiace davvero dirlo ma il cinefilo medio uscirà dal cinema tradito e anche piuttosto irritato: perché sprecare due ore della propria vita per conoscere la storia di Mark Zuckerberg, fondatore di quell'impero commerciale che è Facebook?

E io mi sono sentito tradito da Fincher, regista che stimo (tuttora dai) oltremodo perché di capolavori ne ha diretti parecchi (Seven, Fight Club, Zodiac, Il curioso caso di Benjamin Button) e questo Social Network non ha niente del suo genio, del suo modo di fare cinema, sembra che dietro la cinepresa non ci sia nemmeno lui!

D'altronde mi ero fidato, nelle interviste Fincher aveva rivelato che aveva accettato il progetto perché la sceneggiatura di Aaron Sorkin (La guerra di Charlie Wilson, Codice d'onore) era talmente geniale che dopo tre pagine aveva già dato l'ok. Non so, forse Fincher avrebbe dovuto leggere anche il resto perché la sceneggiatura è la parte più debole dell'intero film.

La vicenda è nota: l'ascesa miliardaria in internet di quel nerd simpatico come un calcio nelle gengive di Mark Zuckerberg. Il problema è che il film è piatto, noioso, non c'è brio, i protagonisti sono visivamente annoiati, Jesse Eisenberg (che fa Zuckerberg) non è nella parte, è semplicemente inespressivo! Le noiose sequenze in cui Zuckerberg è coinvolto in ben tre processi per furto di proprietà intellettuale si risolvono spesso in orgiastiche scene di feste e party vari o, nella seconda parte del film, direttamente nella sede californiana di Facebook che, secondo lo sceneggiatore e il regista, sembra più la sala prove dei Metallica che un ufficio.

Alla fine ci si chiede quale sia il target di questo film. Io sono amante del cinema e sono stato fregato dal richiamo dell'accoppiata Fincher-Sorkin ed immagino che molti altri abbiano fatto lo stesso errore; allora il quindicenne medio completamente soggiogato dal fenomeno Facebook potrà apprezzarlo? Ne dubito, dato che il film è prolisso e poco interessante per un teenager in preda agli ormoni; le ragazze? Perché dovrebbero trovare interessante un miliardario testa di cazzo che non guarda nemmeno in faccia i propri interlocutori?

In definitiva, non lo so. So solo che Fincher mi ha profondamente deluso e che probabilmente i soldi fanno gola a tutti e sfruttare l'onda di quel fenomeno di costume che è Facebook ha attirato anche un regista serio come lui.

Cose che salvo nel film:

• La colonna sonora di quel genio di Trent Reznor, leader e compositore dei Nine Inch Nails, veramente magnifica, alle volte forse un po' eccessiva e fuori contesto, ma davvero ottima.
• L'interpretazione di Justin Timberlake (lo so, è incredibile) nella parte di Sean Parker (altro guru dell'informatica, fondatore di Napster). Davvero un'ottima prova da attore e, in definitiva, il miglior personaggio di tutto il film, sia per il ruolo che riveste (il diavolo goethiano tentatore?) che per la carica di pazzia e paranoia che ricopre.
• La scena nella seconda metà del film della prova di canottaggio dei due "antagonisti", i fratelli Winclevoss (Armie Hammer) girata con una fotografia molto più carica che nel resto del film, una telecamera fissa sul petto dei vogatori e sfocato ai lati dell'immagine. Ecco, quella sequenza di poco più di due minuti è il marchio di fabbrica del genio di Fincher, il suo cantuccio manzoniano, il suo coro, forse l'unico momento in cui il film si può dire veramente suo.

In America, ovviamente, il film sta facendo sfracelli. Credo che Zuckerberg, multimiliardario amato/odiato sia un po' il loro fiore all'occhiello e ripete la storia ormai abbastanza scontata che fu di Bill Gates prima, di Steve Jobs dopo: ovvero il nerd che, in questo caso dalla sua stanza al college, armato solo di un computer piega il mondo con un algoritmo (non suo per altro) e fa suo il sogno americano.

Il significato del film è tutto qui.

Velluto Blu

di David Lynch

con Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper, Laura Dern

Se c’è una costante nella nemmeno troppo sconfinata filmografia di David Lynch è sicuramente quella di essere per lo più snobbato dalla critica per ogni sua opera. Nonostante abbia firmato indiscussi capolavori come Eraserhead e Elephant man, dato vita insieme a Mark Frost ad uno dei migliori telefilm di sempre, Twin Peaks, e divenuto un vero e proprio regista di culto, il suo rapporto con la critica cinematografica è stato sempre piuttosto turbolento. Una storia di incomprensioni, in realtà, perché è certo che Lynch ha un modo di fare cinema tutto suo. I suoi film hanno per soggetto incubi divenuti realtà (il bambino mostro di Eraserhead), temi difficili come le deformazioni fisiche in Elephant man, plot enigmatici (Mullholland Drive) o addirittura assenti (INLAND EMPIRE) e perfino un road movie il cui protagonista è un vecchio che attraversa gli Stati Uniti a bordo di un tagliaerba (Una storia vera). Il suo cinema rappresenta perfettamente la perdita della realtà e non solo: Lynch cuce addosso ai suoi personaggi una caratterizzazione psicologica così credibile che permette, nonostante l’assurdità delle situazioni rappresentate, di capire al meglio il loro animo, mentre il continuo bombardamento di visioni oniriche, sogni, distorsioni, mostri, incarnazioni del bene e del male, meandri oscuri, costringe lo spettatore a lasciarsi trasportare dalla bellezza delle immagini, dal susseguirsi di scene apparentemente inspiegabili. In questo elenco di tratti che non faccio fatica a definire marasma, trova posto anche una pellicola leggermente più convenzionale - ma non per questo ordinaria - che è Velluto Blu.

Velluto Blu è il quarto film di Lynch, 1986, ed è a tutti gli effetti un thriller ambientato in una consueta cittadina del nord ovest americano direttamente tratta dall’infanzia di Lynch stesso. Dai primi fotogrammi viene presentata la cittadina ritratta come in una cartolina degli anni ’50, nella sua normalità e ordinarietà. L’elemento che fa da cardine all’intero film è il ritrovamento da parte del protagonista (un grandissimo Kyle MacLachlan) di un orecchio umano in mezzo ad un campo. L’accadimento trasporta improvvisamente il film nell’atmosfera disturbata di un thriller torbido e ossessivo: dalle vaghe venature di commedia romantica all’americana (con tanto di bionda più desiderata del liceo fidanzata col giocatore di football, bionda perfettamente interpretata da Laura Dern) viste all’inizio, il ritrovamento dell’orecchio, come fosse un passaggio dimensionale, permette a Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan) di scoprire i lati più oscuri della sua cittadina. Verrà coinvolto in un rapimento dove a pagarne le conseguenze è una Isabella Rossellini (Dorothy Vallens nel film) che subisce le violenze psicologiche e sessuali di quello che probabilmente è il personaggio migliore del film e forse uno dei più memorabili ruoli del mai troppo compianto Dennis Hopper. Dennis Hopper presta il volto a Frank Booth, gangster violento, disturbato e dalla parolaccia facile, vera e propria incarnazione del male e lato oscuro del film.

Chiara intenzione di Lynch era di immettere in un contesto decisamente convenzionale (cittadina ai limiti della noia, adolescente irrequieto ecc) il veleno disturbante della criminalità che nessuno ammette, una cattiveria incarnata magistralmente dal ghigno sempre inquietante di Frank/Hopper e da quella sottomissione masochistica di Dorothy/Rossellini che, per quanto possibile, è ancora più disturbante, disgustosa quasi. Frank rapisce il marito e il bambino di Dorothy facendola diventare vittima delle sue perversioni (celebre la frase di Frank: Cazzo, non guardarmi! mentre la costringe ad un atto sessuale sterile e sporco) e Dorothy a sua volta trova sfogo in quel ragazzo, Jeffrey, che si introduce in casa sua per spiarla, dopo averla vista cantare Blu Velvet in un locale. A casa sua Jeffrey scopre che la vestaglia della donna (di velluto… blu) è lo strumento feticista che usa Frank per eccitarsi e da quel momento in poi il brano Blu Velvet (più volte ripetuto) acquista una precisa valenza: ricorda allo spettatore quel malessere provato da Dorothy mentre viene schiavizzata, malmenata ed umiliata.

Caso raro nella filmografia di Lynch, il lieto fine apparentemente zuccheroso: Sono tornati i pettirossi, dice Jeffrey citando le parole dette in precedenza da Sandy (Laura Dern) secondo cui tali uccelli sarebbero simbolo di pace, catarsi e di purificazione dai mali del mondo.

Perché rivederlo?

Non solo perché è un thriller diverso, che necessita attenzione e che coinvolge, ma anche perché, essendo il film più accessibile di David Lynch, potrebbe spingervi a recuperare anche gli altri suoi lavori e scoprirvi interessati ad un regista visionario, amante di simbologie ed enigmi e che fa sognare e pensare. Un regista assolutamente non ordinario.

Apocalypse Now - Redux

di Francis Ford Coppola, con Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Dennis Hopper

Quello che fece Francis Ford Coppola nel 1979 fu senza pari: un film che non era solo “sul” Vietnam ma, come disse lui stesso, era il Vietnam, una storia che solo in apparenza sembra di guerra ma che in realtà è l’indagine perfetta dell’animo umano. Con questo film Coppola, se vogliamo, ha inaugurato un vero e proprio sottogenere: i film sul Vietnam. Ne sono seguiti moltissimi (Nato il 4 luglio, Platoon, La sottile linea rossa, Salvate il soldato Ryan, Full Metal Jacket, tanto per citare i più famosi) ma senza dubbio Apocalypse Now è quello che lascia maggiormente il segno nello spettatore. Liberamente ispirato da Cuore di Tenebra di Joseph Conrad, il film ne calca il senso profondo: la ricerca della follia, l’introspezione umana, valori assoluti che sono presenti in ogni essere umano: Coppola cambia il momento storico, il luogo d’azione e lo adegua ai suoi fini di denuncia sociale. La struttura del film è, di base, la stessa del libro: la ricerca sempre più assillante di un personaggio che agli occhi degli indigeni sembra essere un dio.

Nel 2001 Coppola fece uscire nelle sale una versione praticamente nuova del film: Apocalypse Now Redux. Quasi un’ora un più di pellicola (con alcune scene molto contestate ma comunque sempre d’effetto), nuovo doppiaggio e un nuovo finale, quello che era presente nella sceneggiatura originale e che purtroppo Coppola, per motivi di produzione, non poté subito integrare.

Il film inizia con le scena cult degli elicotteri che volano sulla giungla con The End dei Doors in sottofondo. Poi appare il primo protagonista, il capitano Willard (Martin Sheen), tormentato narratore e addetto all’indagine psicologica alla base di tutto il film. Gli viene affidata una missione: risalire il fiume Nung per uccidere il colonnello Kurtz (Marlon Brando) oramai impazzito e autore di una serie di delitti ingiustificati. Su questa semplice trama si basa l’intera epica avventura girata da Coppola che, oltre ad essere un film veramente spettacolare (sotto tutti i punti di vista) si annovera il fardello di essere anche, come avevo annunciato, una pellicola di denuncia. L’intento di Coppola era chiaro: far vedere al pubblico le atrocità e le verità della guerra che spesso venivano taciute. Per rendere chiaro questo intento Coppola consegna al capitano Willard una barca dall’equipaggio piuttosto singolare: quattro personaggi stereotipati (il surfista edonista, lo chef codardo, il ragazzino impulsivo e il capitano senza macchia) che cozzano, per la loro teatralità, con l’andamento drammatico e oscuro del film, e soprattutto un colonnello sanguinario, William Kilgore (interpretato magistralmente da un inarrestabile Robert Duvall) che incarna perfettamente le atrocità della guerra, il sadismo imperante e il più completo sprezzo per la vita umana.

La maestria di Coppola nel rendere Kurtz/Brando un dio anche agli occhi di Willard/Sheen (che lo conoscerà solo nel finale) è inarrivabile: coll’avanzare del film (lento ed epico) mano a mano ci si rende conto che il vero protagonista non è ne il Vietnam ne Willard ma proprio Kurtz, un’ombra onnipresente nella mente della ciurma alla sua ricerca e poi anche nello spettatore, costretto ad una inevitabile curiosità per quest’uomo diventato dio che semina orrore tra i Vietcong. Il capitano Willard, nel frattempo, verrà ossessionato da tale personaggio, rileggerà di continuo le sue carte, si interrogherà sulla giustizia del suo compito (ucciderlo) ed inevitabilmente si troverà addirittura ad impersonarsi con lui. Quando apparirà Kurtz sembrerà di assistere ad una visione, Marlon Brando sarà sempre nell’ombra (in contrasto alla luce predominante del resto del film), mai ripreso nella sua interezza (tecnica che infonde un senso di maestosità e fascino in chi guarda), e sarà proprio il dio benigno/maligno, adorato ed odiato dagli indigeni (tra cui un “acido” fotoreporter interpretato da Dennis Hopper, che spiega a Willard il carattere mistico del suo padrone). Tra le scene aggiunte una particolarmente toccante in cui Kurtz legge un articolo del Time ad un Willard imprigionato, in cui si annuncia la vittoria degli Stati Uniti nella guerra e quindi il perpetrarsi delle menzogne e delle falsità della guerra. In questo contesto Kurtz appare come un santo che risponde ad un disegno più grande: lui agisce in un campo che è fuori dalla percezione umana perché, proprio grazie alla guerra, lui è arrivato a capire cose che normalmente gli uomini nemmeno si chiedono e questo, proprio questo aspetto, è il lato più affascinante del film, la particolarità che lo rende diverso da un semplice racconto realistico di guerra. L’uccisione di Kurtz, il vero cuore di tenebra, sarà la vera e propria catarsi per Willard e, in senso più ampio, per l’intera, insensata, guerra.

American Beauty

di Sam Mendes, con Kevin Spacey, Annette Bening, Thora Birch

American Beauty, opera prima del regista teatrale Sam Mendes, sembra essere uscito da un vecchio romanzo di qualche scrittore alla Francis Scott Fitzgerald, quando il sogno americano era stato bello che metabolizzato, superato e quasi dimenticato. American Beauty narra le vicende più o meno tranquille di una classica famiglia americana medio borghese come ce sono tante, vicende che hanno però qualcosa di profondamente drammatico ed assolutamente comune: Lester Burnham (Kevin Spacey) ha problemi a lavoro, ha problemi con la frigida moglie (Annette Bening) e pure con la figlia (Thora Birch).

American Beauty, nel suo incedere tranquillo e assolutamente non eclatante, parla proprio, con ironia, della Bellezza (con la B maiuscola, si intende) di ritrovarsi a quarant’anni e capire che la vita è semplicemente noiosa.

Quando vicino ai Burnham si trasferiscono i Fitts (padre colonnello in pensione, madre succube e passiva, figlio ribelle) la vita delle due famiglie cambia radicalmente. Il figlio ribelle dei Fitts, Ricky, silenzioso e strano, si innamora della figlia dei Burnham, Jane, perché riesce ad andare oltre il concetto stesso di Bellezza trovando l’amore puro, incondizionato; Lester Burnham si prende una cotta per l’amica della figlia, Angela Hayes, la più carina della scuola, perché ha trovato, a suo modo, la Bellezza che sembrava essergli sfuggita da tempo. Contornano le storie principali l’amicizia di Lester per Ricky, che gli passa l’erba, e lo fa tornare ai vent’anni, quando la vita era tutta canne e rock’n’roll e l’essenza stessa della Bellezza sembrava essere a portata di mano; la sboccata storia d’amore tra Carolyn Burnham, moglie di Lester, che, curiosamente, il sogno americano ancora lo va cercando, e Buddy Kane (Peter Gallagher) che rappresenta tutto ciò che lei cerca in un uomo: soldi, successo e determinazione; il difficile rapporto tra il colonnello Fitts (Chris Cooper), irriducibile conservatore dedito alla disciplina, e suo figlio Ricky che, in maniera mai troppo evidente, si prende tranquillamente gioco di lui.

L’intero film si sviluppa su questi elementi, in un intreccio tutto sommato semplice ma mai scontato. La bellezza del nome del film (che tra l’altro è una qualità di rose, quelle che cadono sul corpo nudo di Angela, nei sogni di Lester e un disco dei Grateful Dead del 1970) è la costante di tutte le storie, perché è semplicemente questo che i personaggi cercano, niente più: il concetto assoluto di Bellezza in ogni sua variante o accezione. Non è vero che non importa come arrivare a tale Bellezza, il cammino è la parte più difficile e controversa, il film ne è fulgido esempio, specie nel finale, in cui uno dei protagonisti verrà sopraffatto non tanto dalla Bellezza quanto dal suo esatto contrario, la paura, e allora lo splendido incipit del film avrà un senso: Mi chiamo Lester Burnham. Questo è il mio quartiere, questa è la mia strada, questa è la mia vita. Ho quarantadue anni, fra meno di un anno... sarò morto. Naturalmente io questo ancora non lo so. E in un certo senso sono già morto.

Vincitore di 5 premi Oscar nel 2000.

Kiss

Sonic Boom

Roadrunner Records, 2009

Non nascondo una certa emozione nello scartare l'edizione limitata del nuovissimo disco dei Kiss. I Kiss sono, in assoluto, una delle più grandi band rock'n'roll del pianeta, proprio per la loro grandezza sono stati (e saranno sempre) contestati, ma questo, in tutta franchezza, non ci interessa. Ad interessarci è la loro ultima fatica discografica, Sonic Boom, dopo la bellezza di 11 anni da Psycho Circus, disco tutto sommato più che dignitoso, ma completamente diverso da quest'ultimo.

Lo dico con assoluta sicurezza ed orgoglio (si, i Kiss sono uno dei miei gruppi preferiti!): Sonic Boom riprende le sonorità grandiose degli anni 70 e le aggiorna al presente, con un sound più corposo ed una pulizia del suono stupefacente.

Tanto prolifici nei 70, il decennio in cui i Kiss hanno scritto la storia, così come nei più deludenti (a parte qualche perla come Creatures Of The Night), il nuovo millennio li ha visti protagonisti di qualche tour commemorativo e di nessun disco in studio. Per questo motivo Sonic Boom ha dello stupefacente. Era piuttosto facile infatti aspettarsi un disco stanco, come lo erano stati Unmasked alla fine dei 70 o Carnival Of Souls per i 90, invece Sonic Boom, come già detto, compie un salto verso il periodo d'oro con brani di una freschezza incredibile per un gruppo che le male lingue volevano già finito da un pezzo.

Due parole sui brani (non voglio dilungarmi troppo perché voglio lasciare il piacere all'ascoltatore). Il pezzo che apre l'album, Modern Day Of Delilah, riprende le regole dell'hard rock canonico e le impone al resto dell'album. Never Enough sembra uscire da Rock'n'Roll Over (capolavoro del 1976) così come la seguente Yes I Know. All For The Glory rallenta il ritmo tentando la melodia ma non è la classica ballatona metal. Un applauso a parte a Tommy Thayer che regala un solo di chitarra veramente da manuale. I'm An Animal, dal riff assassino, è a mio parere il miglior brano non solo del disco, ma dei Kiss in generale. E' proprio grazie ad un pezzo del genere che il gruppo in questione si distacca dalle tonnellate di dischi rock usciti in questo periodo: qui si sente la qualità, la bravura del gruppo, l'esperienza ultra trentennale di gente che di rock'n'roll ci ha vissuto e soprattutto ne ha scritto le regole. A chiudere il tutto Say Yeah, classico inno kissiano, che sarebbe stato in sintonia con i brani di Destroyer.

La line up vede Paul Stanley e Gene Simmons (ovviamente), alternarsi come al solito al canto e Tommy Thayer, ottimo musicista che esegue assoli di fattura veramente notevole senza stravolgere il sound del gruppo, anzi, coi Kiss sembra averci suonato da sempre. Eric Singer, veterano delle pelli e dei Kiss stessi, compie il suo lavoro più che dignitosamente, tessendo un tappeto ritmico preciso, incisivo, ma mai invadente.

Voto: 10/10

Questo disco è un capolavoro, c'è poco da girarci intorno. Certo sarebbe stato bello aver avuto un disco con la reunion completa (Ace Frehley e Peter Criss) ma sarà che il risultato è talmente emozionante che non ci possiamo assolutamente lamentare. Il lavoro può essere visto sotto due aspetti: l'amante del rock lo vedrà come il raggiungimento del Graal, cioè il ritorno di un gruppo di qualità eccelsa al sound che li ha resi famosi; il pignolo alla ricerca del sensazionale potrebbe avere da ridire perché qui non c'è niente di nuovo.

Ed è questo il bello, rock'n'roll suonato all'ennesima potenza.

Grazie Kiss.

Il Progressive Italiano n.3

Osanna

Palepoli

Fonit Cetra, 1973

Agli Osanna viene accreditato nientemeno che uno dei dischi più belli del progressive italiano, Palepoli appunto. Non mi permetterò assolutamente di dire il contrario.

Gli Osanna ( Lino Vairetti, voce e tastiere; Danilo Rustici, chitarra, organo e cori; Lello Brandi, baso; Massimo Guarino, batteria; Elio D'Anna, flauto e sax) nascono a Napoli nel 1970 da due altri gruppi importanti per il genere, i Volti di Pietra e i Città Frontale. Si distinguono subito per la complessità della loro musica e per il loro particolare presentarsi in scena: truccati e mascherati. I loro concerti, rigorosamente nei teatri, saranno più vicini a rappresentazioni musicovisive che a semplici riproposizioni dei loro brani. Leggenda vuole che i Genesis, che intrapresero un breve tour con loro nel 1972, si siano ispirati proprio a loro per le affascinanti scenografie e gli sgargianti abiti di scena di Peter Gabriel.

Con il primo disco, L'uomo, vengono positivamente accolti dal pubblico, grazie alle loro splendide melodie, la musica articolata e i testi poetici. Il secondo disco (Preludio Tema Variazioni e Canzona), quasi tutto strumentale, è la colonna sonora del film Milano Calibro 9 ma è con il terzo disco, Palepoli, di progressive cristallino, allo stato puro, che entrano di diritto nell'olimpo del genere.

Difficile descrivere minuziosamente questo album. Contiene due lunghe suite di venti minuti l'una e un brano che funge da introduzione del secondo lungo movimento. Oro Caldo, il primo brano, comincia con un canto mediterraneo sopra un accompagnamento tribale, mentre verso il secondo minuto comincia la prima (di numerose) sfuriata elettrica dove un ottimo Danilo Rustici compie mirabolanti fraseggi di chitarra. Tutto il brano si regge su questa alternanza di piano/forti, momenti più intimi dove risalta il flauto, arpeggi che ricordano i Genesis più tranquilli in contrasto a crescendo dove l'intero gruppo compie un ottimo lavoro di cucitura tra i
vari strumenti perfettamenti amalgamati. Seguono inserti di Moog e sax sotto un testo decisamente poetico. Gli echi, se proprio vogliamo trovarli (ma solo per farsi un'idea), sono quelli dei King Crimson di In The Wake Of Poseidon, i Jethro Tull di Thick As A Brick e la chitarra wah di matrice Hendrixiana, alle volte, di chiara ispirazione Robert Fripp, altre volte. Notevole a metà del brano un lungo intersecarsi di flauto e chitarra molto distorta che sfocia poi in un blues lento e sanguigno.

Stanza Città è il punto di raccordo tra i due brani. Un pezzo orientaleggiante con voci registrate al contrario (molto in voga all'epoca) e flauti che sfocia direttamente nella lunga suite Animale Senza Respiro. Che dire di questo brano se non che è un capolavoro assoluto? Ha un inizio dai toni decisamente gravi, un arpeggio soffuso di chitarra che sorregge le prime strofe cantate fino all'entrata della batteria. Poi la prima sfuriata di chitarra e la seconda parte del brano, più serrata, dalle tinte hard, jazz e fusion. Questa volta il riferimento va ai Soft Machine più lisergici e pesanti. Di indubbia bellezza il riff di sax e chitarra che ricorda vagamente i King Crimson del primo disco. Il brano nel complesso è decisamente più duro, meno sognante del precedente, un vero e proprio atto di maestria da parte di questo splendido gruppo. Termina con lunghe note di Moog, tappeto per gli assolo di chitarra e flauto (non mi dilungherò troppo su questo brano perchè, è ovvio, va ascoltato completamente per farsene un'idea compiuta).

Voto: 10/10 Un disco assolutamente perfetto, imperdibile per ogni appassionato di progressive italiano o estero che sia.

Il Progressive Italiano n.2

De De Lind

Io non so da dove vengo e non so dove mai andrò, uomo è il nome che mi han dato

Mercury, 1973

Brutto scherzo quello che hanno fatto ai De De Lind: sciolti dopo l'uscita del primo ed unico disco per l'insuccesso commerciale, oggi sono completamente rifioriti e apprezzatissimi in campo progressive grazie all'azzeccata ristampa della major Mercury. Peccato. Se avessero avuto subito successo, e non trent'anni dopo, forse avrebbero potuto anche sfornare qualche altro capolavoro.

Comunque cominciamo dal principio: i De De Lind, milanesi, nascono in realtà nel 1969 come gruppo beat incidendo alcuni singoli di modesto successo (Anche se sei qui / Come si fa?) per poi esibirsi in concerti e manifestazioni del beat italiano. Nei due singoli successivi (Mille anni / Ti devo lasciare, 1970; Signore dove vai? / Torneremo ancora, 1971) cambiano già sonorità, abbandonando il beat degli esordi a favore di un rock decisamente più cruento, perfettamente in linea con le tendenze del momento. I singoli vanno piuttosto bene ma si dovrà aspettare il 1973 per l'uscita discografica vera e propria, un gioiello elevato a capolavoro del genere progressive, che corrisponde al nome chilometrico di Io non so da dove vengo e non so dove mai andrò, uomo è il nome che mi han dato. Come dicevo nel 1973 il disco non ebbe grande successo, il loro prog intimista e malinconico non aveva, a quanto pare, lo stesso mordente dei "fratelli maggiori", la Premiata Forneria Marconi e del Banco del Mutuo Soccorso.

Tuttavia, ora che la Mercury ha ristampato l'LP è possibile acquistare questo splendido disco ad un prezzo modico e non più alle cifre astronomiche da collezionismo.

I De De Lind, mi preme dirlo, sono a loro modo unici. A differenza degli altri illustri colleghi, il loro pregio sta nell'aver unito (prima di tutti specifico) l'hard rock alle architetture del progressive. Le chitarre "pesanti" del rock più duro, difficilmente trovavano spazio nel progressive (la PFM effettivamente non ci andava leggera in quanto a chitarre, ma qua si parla di riffoni duri alla Black Sabbath). Il caso più notevole è sicuramente la splendida suite che apre il disco, Fuga e Morte, un fantastico brano che sembra l'incontro ideale delle atmosfere melanconiche dei Sabbath e i passaggi acustici di Aqualung dei Jethro Tull. Vi sono infatti interessanti passaggi di chitarra acustica e flauto (Gilberto Trama) in mezzo alle sfuriate elettriche dell'ottimo chitarrista Matteo Vitolli. Un sound intimista che riflette in pieno il crepuscolarismo del testo (correvo per sentieri, per strade senza fine, regnava nero il buio, compagno era il mio affanno, cercai di dare un grido ma ormai ero già morto). Un azzeccato intervento di sax elettrico (sax effettato con un pedale da chitarra, geniale!) fa cominciare il secondo brano, Indietro nel Tempo, e poi Paura del Niente, a mio avviso il pezzo forte dell'album, molto influenzato dal sound dei Jethro Tull. Nell'inizio l'atmosfera è ancora più nichilista (sopra una panchina, confuso tra la folla, un vecchio che pareva scolpito nella pietra), impossibile non pensare a De Andrè, sul finire invece parte un furioso pattern di batteria, con un basso incalzante e un solo di chitarra semplicemente fantastico, il tutto, come direbbe un mio amico, "decisamente prog!". Molto bella comunque la scelta di terminare il brano con un intervento solista del flauto dopo che il gruppo, nell'intermezzo strumentale, ha decisamente dimostrato di sapere il fatto suo.

Il lato B si apre con la traccia Smarrimento, continuando il percorso sonoro di Paura del Niente: un lungo intro di flauto e poi passaggi che obiettivamente non ci si aspetta, chitarre molto forti e un crescendo sonoro che non è altro che l'ingresso per un arpeggio di chitarra soffice e melodioso, base a sua volta del cantato altrettanto dolce di Vito Paradiso.

Cimitero di Guerra ha un andamento maestoso, quasi inquietante, un accompagnamento psichedelico dei migliori Velvet Underground e poi l'esplosione elettrica con un duetto di flauto/chitarra veramente bellissimo. Notevole come le parole del testo aderiscano perfettamente alla musica suonata egregiamente dal quintetto. Voglia di Rivivere presenta il testo migliore (il mio tempo se ne va con gli eroi dell'età dei giganti), brano acustico lento e sognante, sembra il congedo che invece spetta a E Poi, brano elettrico che sembra una sinfonia, sonorità decisamente più solare degli altri pezzi e il finale, un crescendo strumentale dove tutti gli strumenti si sposano alla perfezione e dove finalmente, è svelato il mistero del lungo titolo: Io non so da dove vengo e non so dove mai andrò, uomo è il nome che mi han dato.

Voto: 10/10

L'unico peccato è che i De De Lind abbiano registrato un solo album. Questo è un gioiello che qualsiasi amante del prog dovrebbe non solo avere, ma venerare!

Il Progressive Italiano n.1

Pooh

Parsifal, 1973

Inauguro con questa recensione una "rubrica" dedicata interamente al progressive italiano, genere al quale sono molto affezionato e che, in mia opinione andrebbe decisamente rivalutato. Vi accorgerete, seguendo i dischi di cui mano a mano parlerò, che in Italia, in particolare negli anni 70, sono state fatte cose veramente grandiose!

Bando alle ciance comincio questa rubrica con un gruppo che effettivamente col progressive ha poco a cui spartire. Complimenti per la coerenza, direte, eppure ho le mie buone ragioni.

Ammetto che parlare oggi dei Pooh fa un pò sorridere, tutti conoscono le loro canzoni pop più famose (Uomini soli, Piccola Ketty, Pensiero, Chi fermerà la musica ecc) e ammetto pure che mi fa anche un certo effetto parlare di questo gruppo sapendo che tra pochi giorni andrò a vedere i Judas Priest ad un festival metal. Tuttavia, quello che non tutti sanno di loro, è che negli anni 70, precisamente tra 1973 e 1975, i quattro Pooh hanno composto tre tra gli album più belli della nostra sottovalutata musica leggera. Il primo di questo, Parsifal, è una perla assoluta del genere, un album fantastico che coi Pooh che verranno dopo ha veramente poco cui spartire. Ora vi spiego perchè.

Alla fine degli anni 60 c'era un gruppo inglese che spopolava in maniera oserei dire oceanica. La loro idea geniale fu quella di unire al pop le melodie della musica classica.. Rispondono al nome di Procol Harum, il mastodontico gruppo autore di quell'immane brano che è Whiter Shade Of Pale. Il loro successo fu grandissimo, anche da noi in Italia (rilasciarono anche un singolo nella nostra lingua, la splendida Il Tuo Diamante).

Di fronte a tale successo, molto timidamente, un gruppo bolognese, cerca di emulare la formula inaugurata dai Procol Harum e comincia a suonare un rock sinfonico di chiara matrice progressive che risponde al nome di Parsifal.

Il disco si apre con L'anno, il posto, l'ora, una ballata orchestrale guidata da un arpeggio effettato del grandissimo Dodi Battaglia dove risaltano alcuni splendidi passaggi di basso di un più che meritovole Red Canzian. A fare da sfondo è l'orchestra mai troppo invadente insieme alle tastiere di Roby Facchinetti. Solo cari ricordi riflette la stessa impostazione (chitarra acustica, tastiere e accompagnamento orchestrale) ma chiude il brano uno splendido assolo di Battaglia il quale, purtroppo, è sempre troppo modesto per eseguirne di più lunghi. Tra gli altri brani da notare Io e te per gli altri giorni, un chiaro omaggio alle sonorità più morbide e melodiche dei Beatles di Revolver e soprattutto Come si fa che risente addirittura di alcune atmosfere rarefatte tanto care ai King Crimson. A chiudere l'album c'è il pezzo forte, il motivo portante di questa recensione: la suite Parsifal. Nel testo viene abbandonato il tema onnipresente dell'amore (o della ricerca di questo) e si mettono a parlare di cavalieri e follia medievale (Parsifal si riferische al Percivald che ricercava al Sacro Graal nelle leggende, anche opera di Wagner). Il brano, di dieci minuti di lunghezza, ha un incedere maestoso e assolutamente progressive, con cori operistici in sottofondo, un assolo di chitarra entrato nella storia e una lunga coda strumentale classicheggiante che riprende, oltre a Wagner anche le romantiche melodie di Bach, inframmezzata da interventi solistici di ottima levatura ancora da parte di Battaglia. Il brano per intero mette in evidenza un gusto per la musico tutt'altro che scontato. Da amante del progressive posso dire che se avessero continuato su questa scia, probabilmente, avrebbero conquistato un posto nel cuore di più radicali amatori di questo particolare genere di musica. Dimostrano una perizia tecnica che non era scontata in un gruppo prevalentemente beat e forse è stata questa ricerca sonora che non ha conquistato il pubblico italiano del periodo che, probabilmente, preferiva il beat vero e proprio o il pop più diretto.

Voto: 8/10

Su questa linea progressive/pop sinfonico, realizzeranno ancora due album Un po' del nostro tempo migliore e Forse ancora poesia, dischi che non avranno molto seguito, anche se oggi sono considerati dei piccoli capolavori. Poichè dopo si daranno al pop da classifica più sfrenato consiglio vivamente l'ascolto di questo ottimo album.

Black Rebel Motorcycle Club

"Howl" 2005

Howl viene fuori ai Motorcycle dall'amore per la loro stessa America: per il loro folk, per il loro country, blues e per la loro letteratura. Howl è il titolo della poesia più famosa del grandissimo e compianto Allen Ginsberg (amico di Dylan e poeta beat per eccellenza) solo che il disco, a differenza del poemetto, non urla nel senso stretto della parola, piuttosto stride nel panorama musicale odierno. La spiegazione è presto data: Howl è un disco elegantissimo di folk, blues americano che più americano non si può, registrato nel modo più classico (su nastro!) ed eseguito con chitarre acustiche, armoniche e voce roca. Come può non stridere un disco di questa splendida musica nel concentrato di schifezze e suoni che presunti gruppi rock odierni ci stanno elargendo?

Da appassionato di musica americana quale sono, posso dire con tutta onestà che a volte (Fault Line per esempio) sembra di ascoltare Neil Young; Howl, la title track ricorda un Dylan più sporco e trasognato mentre la splendida Promise è la ballata miglore che ho sentito negli ultimi anni. Il disco scorre che è una bellezza, tra brani tranquilli, pacati ma mai noiosi, armonie vocali estremamente accattivanti, blues lisergici e intrecci di chitarre veramente eccezionali (per quanto sempre molto soffici).

Di questi ragazzi mi ha colpito la noncuranza alla song pop da classifica anche se, chiaramente, di pop parliamo, pure se molto ma molto raffinato (basti ascoltare Weight of the World, il più pop sicuramente, che rimanda addirittura a certi Verve malinconici). Non c'è la ricerca del ritornello facile e questo non può che essere un loro pregio, poichè invece del numero alto in classifica, i Motorcycle, hanno puntato sulla qualità e, personalmente, hanno colpito nel segno.

Voto: 8/10

Un disco per chi ama il country e il blues americano, quello che si faceva una volta; per chi ricerca Bob Dylan e il Neil Young dei Crazy Horse, certe atmosfere alla Leonard Choen e, perchè no, qualche sereno attimo di dolce malinconia. Unica pecca è l'esecuzione non proprio impeccabile dei brani: si sente che vengono da musica semplice (il noise e il garage degli esordi) e che alcuni intrecci sonori non sono proprio cristallini.

ps: da notare a The Line una certa somiglianza della melodia della chitarra con High Hopes dei Pink Floyd....

Guns N' Roses

"Chinese Democracy", 2008

Il 2008 è stato uno degli anni più belli per il rock'n'roll. E' stato l'anno di rinascita per moltissimi grandi artisti: Metallica, Motorhead, Motley Crue, Whitesnake, Judas Priest, Ac/Dc, Uriah Heep, Van Der Graaf Generator, Black Crowes, Alice Cooper, Black Sabbath, Led Zeppelin, Scorpions ecc. Forse per qualche congiunzione astrale, o magari perchè ne sentivamo tutti veramente il bisogno, fatto sta che ognuno di questi grandi nomi ha sfornato un disco o una reunion da brivido.
Come potevano mancare all'appello i Guns'n'Roses?
Non potevano.
Cercherò di essere il più obiettivo possibile. Sono un fan del gruppo, uno di quelli che ritiene Appetite For Destruction uno dei più bei dischi mai registrati da un gruppo di alcolizzati drogati. Ho apprezzato anche il doppio Use Your Illusions e collezionato una certa serie di bootleg dal vivo della band perchè in concerto i Guns erano veramente eccezionali.
Poi si sono sciolti (dopo The Spaghetti Incident?), Axl ha preso i diritti del gruppo e ha cominciato, nel 1994, ad annunciare Chinese Democracy....
Sono passati quindici anni dall'ultimo disco dei Guns e il 21 novembre esce 'sto Chinese Democracy, il disco rock più attesto del millennio (non da me sinceramente... una volta uscito Black Ice e Motorizer ero giù più che soddisfatto...).
Ebbene io il 21 a sera mi precipito alla discoteca laziale e mi prendo tutto soddisfatto la mia copia del disco. Una volta in mano, il disco detiene già un record: ha la copertina più brutta che io abbia mai vista. Vabbè, non disperiamo. Metto il disco nel lettore della macchina, al settimo cielo, parte l'intro del primo brano, Chinese Democracy, e mi ritengo vagamente soddisfatto: il sound fa schifo, il rock'n'roll è andato, ma almeno spinge.
Dal secondo brano in poi è stato tutto a scendere: una ballad dietro l'altra, un'accozzaglia di suoni industriali (If The World), ritornelli degni delle migliori Spice Girls (emm, no, non è un complimento) e chitarre orrende (piccolo appunto: Robin Finck, chitarrista, ha suonato coi Nine Inch Nails quindi, con tutto il rispetto, che c'entra coi Guns?).
Sono rimasto profondamente deluso. Quindici anni pe sta cacata?!? L'album, per farla breve, è questo: un continuo cercare la moderna Don't Cry, o la nuova November Rain.
Che tristezza. Quattordici brani noiosissimi e inconcludenti, che non acchiappano, che lasciano con l'amaro in bocca.
Che delusione.

Voto: 2/10
Tre brani decenti: Chinese Democracy, There Was A Time, Sorry. Il resto va bene per le ragazzine di oggi, quelle che vanno appresso a Linkin Park e al cosidetto pseudo metal...

Parliamo dei Queen come se fossero un gruppo rock

Mi ha profondamente disgustato l'interesse mediatico e "ideale" (spiegherò cosa intendo più avanti) suscitato nei confronti della reunion dei Queen. Mi ha disgustato il fatto che sull'album uscito di recente (Cosmos Rocks) compaia sulla copertina l'ipocrita scritta Queen+Paul Rodgers, come se quest'ultimo facesse un favore agli altri a stare lì. Mi fa pena che i Queen continuino a chiamarsi Queen per un mero bisogno commerciale perchè dei Queen originali sono rimasti solo Brian May e Roger Taylor, così che l'abbandono del bassista Deacon non ha suscitato il minimo interesse.
Chi mi conosce sa del mio assolutamente non mascherato disprezzo verso la band inglese. Per chi non mi conosce ecco la spiegazione legata alla storia del gruppo, il tutto scritto considerando i Queen da un punto di vista rock (quindi senza compromessi). Molti si ritengono estimatori del gruppo solo perchè conoscono i brani più famosi, ma quanti hanno ascoltati TUTTI i dischi della band? Bene, io li ho ascoltati tutti (non me ne vanto, ci mancherebbe, me ne vergogno quasi...) ed ecco come stanno le cose. I Queen nascono come un gruppo rock blues come all'epoca (si parla del 73) ce n'erano a bizzeffe. In più degli altri i Queen avevano un gusto assolutamente kitch di comporre musica e uno stile anonimo e completamente privo di originalità. Abbracciano il credo glam che spopolava all'epoca e continuano come imitatori di David Bowie, inseguendone le sonorità e addirittura le scenografie. I primi due dischi sono rock senza tanti fronzoli, ascoltabili, ma che non lasciano il minimo segno. Il terzo disco, Sheer Heart Attack, anche se lo sanno in pochi, è il migliore della loro discografia perchè è onesto, fatto con la loro testa (non con quella di Bowie o Marc Bolan o Alice Cooper e così via). Un tripudio di pezzi hard rock e altri più soft ma comunque accattivanti. Tra i solchi tuttavia si intravedeva già la linea melodica, carnevalesca e mielosa che lì porterà (dal punto di vista rock che mi interessa) alla rovina. Chi è il fautore di cotanta melassa (quella di Killer Queen o di Lily of the Valley)? Freddie Mercury. Qui apro una parentesi. Freddie Mercury, e lo dico sapendo che il mondo è pieno di estimatori che lo adorano ad occhi chiusi, è il cantante più sopravvalutato dell'intero panorama musicale. Io lo disprezzo perchè ha portato un gruppo come i Queen verso il pop da classifica quando potevano tranquillamente diventare un grande gruppo rock alla stregua di Zeppelin e Purple. Mercury era completamente privo di tecnica vocale e lo si può capire quando, più avanti, comincerà a fare quegli urli che lo hanno reso leggenda, non riuscendo a modulare bene la sua potenza. Da Sheer Heart Attack in poi le sue composizione saranno assolutamente riconoscibili all'interno del gruppo tanto che ormai Mercury era sinonimo di pop e May di rock.
E' con queste intenzioni che viene registrato l'album che, in linea con le caratteristiche del cantante, è il più sopravvalutato della storia del rock, A Night At The Opera. In realtà tutti dovrebbero ammettere che A Night At The Opera lo si possiede per un solo motivo: Bohemian Rhapsody. Il brano fa breccia nei cuori dei più avvezzi alla melodia, col pop più diretto, perchè l'esperto di musica sa benissimo che Bohemian Rhapsody è un'accozzaglia di suoni e voci (un pessimo lavoro di produzione) assolutamente mal riuscito (lo sanno tutti che Mercury ha aggiunto il famoso pezzo coi Galilelo, Figaro solo per allungare il brano). Il singolo è uno dei più venduti nel regno unito (attenzione, nel regno unito, non nel mondo) mentre l'album, di per sè, non è mai arrivato nemmeno tra le prime centro posizioni delle classifiche. Il resto del disco è una miscela di generi dentro canzoni che stufano dopo pochi secondi, dove è chiaro e limpido l'imporsi della figura di Freddie Mercury.
Grazie al suo imporsi i Queen si sono venduti producendo una serie infinita di album uno più brutto dell'altro e singoli dal sicuro impatto commerciale. Allora diciamo una cosa e diciamola per bene: i Queen non sono un gruppo rock, SONO UN GRUPPO DA CLASSIFICA POP. Prendiamo l'album pop per eccellenza del quartetto: The Works. Il disco contiene le più grandi offese musicali del secolo, perle di schifo come Radio Ga-Ga, I Want To Break Free, Hammer To Fall, It's A Hard Life.
Chiariamo un'altra cosa. Io non voglio denigrare i Queen, voglio solo chiarire i loro intenti: intenti commerciali. Tutti i gruppi hanno intenti commerciali, direte giustamente, tuttavia i veramente grandi ci riescono senza tradire le proprie intenzioni (gli Zeppelin hanno fatto brani pop? I Purple? I Sabbath? Non mi pare...). Il mio disprezzo va a Freddie Mercury, ritenuto ingiustamente un grande, bravo solo nel costringere un gruppo alle sue volontà. Ci si carica di compassione quando si parla di lui e della sua morte ma io voglio solo parlare di musica, non di persone. E se parliamo di musica, si sa, i Queen dividono. Non ho mai visto la loro toppa sul giubbetto di un rocker; non ho mai visto un chitarrista sbavare dietro un pezzo di May; non ho mai visto un gruppo fare una cover dei loro brani (dico gruppi underground, non i Metallica che rileggono Stone Cold Crazy, brano tratto da Sheer Heart Attack tra l'altro). I Queen non vengono considerati nel panorama rock, per fortuna, ma solo per i loro inni lacrimosi e privi di valore musicale. Chiunque dell'ambiente (parlo di musicisti veri quindi), non vi dirà mai che i brani dei Queen posseggono architture armoniche di rilevanza o passaggi degni di studio.
Così, quando Paul Rodgers è subentrato nel progetto ("perchè non ha sostituito Freddie, si è solo aggiunto"... ma come cazzo si fa dico io...) mi sono sentito quasi offeso.
Ecco la ragione del mio astio, il motivo base: molti non conoscono Paul Rodgers, non conoscono il suo passato nei Free, nei Bad Company e nei Firm di Page. Non sanno che non sono May e Taylor a guardae dall'alto in basso Rodgers, ma l'esatto contrario! Rodgers è un vero professionista, una specie di mito intoccabile del rock'n'roll anni 70. Quando sento la gente dire che Rodgers non è degno di sostituire Mercury, mi chiedo, ma avranno sentito la sua voce? Sanno chi è Paul Rodgers? Ovviamente no. Mi dicono che non arriva agli acuti di Mercury ma lo hanno mai ascoltato nei Bad Company? Paul Rodgers fa letteralmente venire la pelle d'oca!
Ma non mi si venga a dire che i Queen sono un grande gruppo, evitatelo, se non volete subirvi questo spiacevole sermone dal vivo.



Ps: volete sentire del rock vero? Ascoltate Fire & Water dei Free di Paul Rodgers, così poi ne riparliamo... altro che Freddie Mercury.

There Will Be Blood (Il Petroliere)

di Paul Thomas Anderson, con Daniel Day Lewis, Paul Dano

Ci sono solo quattro film che mi hanno veramente sconvolto l'esistenza negli ultimi anni: uno è Donnie Darko, quel gioiello di Richard Kelly; Into The Wild del grandissimo Sean Penn (di cui ho già lungamente parlato in questo stesso blog); Non è un paese per vecchi di quei vecchi geniacci dei fratelli Coen; l'ultimo è questo There Will Be Blood, un capolavoro immane diretto in maniera fantastica da Paul Thomas Anderson (Magnolia, Sydney, Boogie Nights).

Siccome su questo film si è già detto di tutto, inclusi imbarazzanti (imbarazzanti per chi li ha scritti) e forzati (forzati perchè non servono, il film vive benissimo di vita propria) paragoni con John Ford, John Huston, Orson Welles e Kubrick (forse quest'ultimo ci potrebbe azzeccare qualcosa...), non tenterò di parlarne in maniera fintamente poetica, lasciando l'interpretazione metaforico-simbolistica a critici esaltati più di me, e anzi andando al cuore del discorso.

Il titolo del film, ma guarda un pò, è molto più interessante in lingua originale (There Will Be Blood). Il Petroliere è giusto, come titolo, di questo parla in effetti, ma tralascia, e questo è un vero peccato, quel senso di epicità e grottesca grandezza che scaturisce un titolo così ridondante come There Will Be Blood. La cosa l'hanno capita anche gli addetti ai lavori, tanto che è stato commercializzato come Il Petroliere e poi ad inizio pellicola compare il titolo originale scritto in gotico (ancora più grottesco) e anche in chiusura, dopo che uno splendido finale (forse il migliore mai visto in un film) lascia a bocca aperta lo spettatore che in quell'esatto momento capisce il significato esatto del titolo (originale) ed esce con un senso di maestosità dal cinema (o dal salotto, fate voi)

Non dirò niente su Daniel Day Lewis, se non che è un grandissimo attore, forse l'unico che ha meritato l'Oscar negli ultimi anni per questa incredibile interpretazione. Non dirò altro sulla regia perchè lascio allo spettatore i dovuti commenti; nemmeno sul grande senso del film dirò altro, perchè è già detto tutto nel titolo.

Posso dire solo che la cosa migliore l'ha detta il regista stesso, definendo il suo film un horror mascherato da western. Horror non perchè ci siano scene di tagliuzzamenti o spargimenti di sangue fini a se stessi, ma perchè capirete dove può arrivare un uomo spinto all'inseguimento più sfrenato dei suoi valori compromessi dalla società e dalla, chiamiamola così, misantropia. E cosa fa più paura di un uomo privo di remore?

Così quando Daniel Plainview (il protagonista) dirà, nell'ultima scena, ho finito, per poi comparire la scritta There Will Be Blood vi sentirete, in ordine: meravigliati, estasiati, sollevati e subito dopo coscienti di aver visto il più grande capolavoro cinematografico degli ultimi anni.

Voto: 10/10

Perfetto, nella più capillare accezione che il termine esprime.

Motörhead

"Motörizer" 2008

I Motörhead non esistono solo per fare dischi tutti uguali dal 1977, ma anche per ricordare a tutti noi che c'è un fuoco e questo fuoco si chiama rock'n'roll. Lemmy & soci arrivano al 2008 dopo un tour lungo l'Eternità che non ha toccato solo il polo nord (ma ci stanno lavorando) e la mia città, e ci arrivano con il solito speed metal, col solito rock'n'roll macchiato di blues, sporco e ruvido, con la voce distrutta e affilata come un rasoio arruginito, con la chitarra esageratamente potente, con la batteria che sembra un carrarmato veloce come una Ferrari.

I Motörhead sono arrivati a Motörizer e fanno sempre drizzare i peli delle gambe come una tirata di whiskey, sono sempre altezzosi, si danno le arie e suonano da un piedistallo che chiameremo Olimpo del Rock, macchiato dagli scatarri giallo nicotina di Lemmy. Così quando parte Runaround Man, non è niente di nuovo, ma è come tornare a casa, diavolo, un sospiro di sollievo sapere che i Motörhead fanno le stesse cose da trent'anni. A metà disco, dopo il pesantissimo e lisergico hard rock di One Shot Life, c'è Buried Alive, sicuramente il brano più bello dell'album, che ti costringe ad alzare il volume dello stereo fino a farti sanguinare le orecchie. C'è pure l'immancabile rock'n'roll di English Rose e la sensazione è quella di essere rimasti negli 70, tutto birra e fica. La lentezza di Heroes riporta ai bei tempi di Bastards e l'heavy metal di The Thousand Names Of God chiude l'album con la sicurezza di avere a che fare con un gruppo che fa sempre la stesse cose, ma le fa meglio degli altri.

Voto: 10/10

Come tutti gli album dei Motörhead, tutti perfetti, anche questo. Meno male.

Metallica

"Death Magnetic" 2008

Ok, non ho resistito. Non sono riuscito ad aspettare l'uscita ufficiale dell'album, il 12 settembre, e per vie traverse (il mulo ovviamente), ho reperito l'attesissimo nuovo album dei Metallica. Death Magnetic, prodotto da Rick Rubin che personalmente non stimo e mai avrei sospettato fosse andato a finire a lavorare coi Metallica. Contenti loro...

Eravamo rimasti coi Metallica al lontano 2003, all'uscita del controverso St. Anger, album bistrattato e demolito dalla critica. Con orgoglio posso dire che io quell'album lo adoro (tutt'ora) e lo considero un piccolo capolavoro di Thrash Low-Fi Metal in se. Bisogna dire che la carriera dei Metallica, a partire dal Black Album del 1991, ha subito una marea di critiche: chi li ha accusati di essersi venduti, chi di essere finiti ecc. Io credo che la maggior parte delle persone non ha capito un cazzo di questo gruppo. Mi spiego. Col Black Album hanno cominciato un interessante viaggio all'interno di diversi generi, a partire dal metal nel senso più stretto (il Black Album appunto), l'hard rock (Load e Reload che, per quanto ne dicano, sono ottimi album) e l'hard core, se così vogliamo definirlo, di St. Anger. Finito con questa sorta di viaggio musicale, i nostri nel 2008, dopo tour nostalgici in cui hanno rispolverato il masterpiece per eccellenza Master Of Puppets, si rendono conto di essere ancora legati ad un certo Thrash californiano ed ecco che nasce un nuovo album.

Alla domanda più diretta, quella che tutti si stanno facendo e sulla quale gravita tutto l'interesse per il nuovo album e cioè ma Death Magnetic è thrash?, la risposta è: SI. Death Magnetic è thrash. Orde di rompicoglioni cominceranno a speculare su tale risposta (che non ho dato solo io ovviamente) e a tergiversare su quanto sia thrash questo o qualche altro brano. Molti si aspettavano sonorità alla Master Of Puppets e per lo più sono stati accontentati anche se il sound del disco ricorda più le tracce di ...And Justice For All. Credo che questo album, idealmente, possa essere il degno successore del capolavoro dell'88. Non è così tecnico ma di certo in quanto a pesantezza nuda e cruda siamo là. Il mio unico appunto va al sound in generale (e questa è colpa di Rubin sicuramente). Ulrich ha rimesso la retina al rullante e di questo siamo tutti contenti, tuttavia le chitarre hanno perso l'aggressività che in St. Anger scorreva fiumi. Intendiamoci, Hammett e Hetfield suonano Heavy Metal, sia ben chiaro, ma certi brani, che effettivamente sono di una potenza devastante, avrebbero avuto bisogno di uno spessore in più per quanto riguarda le asce. Comunque sia Hammett in questo disco c'è: tornano gli assoli, ovviamente, e questo è già tanto. Anzi quando sento le orchestrazioni chitarristiche tanto care al gruppo mi chiedo come abbiano fatto a rinunciarvi in St. Anger... vabbè ormai è storia vecchia. Passiamo all'album.

Death Magnetic (titolo sicuramente discutibile, preso da un verso dell'ultimo brano My Apocalipse) si apre con la tiratissima That Was Just Your Life. Introduzione arpeggiata come nei loro migliori album e poi il gruppo comincia a sbattersi. La prima volta che l'ho ascoltata non mi aspettavo assolutamente l'incedere pericolosamente thrash del brano. Si comincia bene, devo dire. The End Of The Line non abbassa il tiro, anzi, riporta la memoria al 1988 e i paragoni con ...And Justice For All cominciano a farsi sentire. L'unico appunto è che il riff principale non è tra i migliori del gruppo, anche se si riprende nei passaggi e nei cambi di tempo. Broken, Beat & Scarred è sicuramente un brano rimasto dalle sessions di St. Anger. Aggressività allo stato puro, batteria bella marcata, ogni tanto si sente anche Rob Trujillo (lo sappiamo tutti che il basso dopo Cliff Burton, nei Metallica, non è che abbia mai avuto un grande ruolo...) e chitarre affilatissime. Sicuramente uno dei brani migliori dell'album. Segue il primo singolo The Day That Never Comes. Quando sentii il brano per la prima volta (un mese fa circa ormai), mi venne paura. L'intro che ricorda un pò Fade To Black per quanto riguarda la struttura (arpeggio, solo e arpeggio incrociato) mi aveva spaventato. Pensavo fosse una ballatona melensa e strappalacrime (che ogni tanto ci sta, ma non come primo singolo) e invece mi ritrovo un brano di rara cattiveria, dall'incedere maestoso e decisamente interessante. Verso il quarto minuto le chitarre triplicano e comincia il riff paccuto, poi il cambio di tempo (raddoppia), assolo di Hammett da manuale, velocità e tanta cattiveria. All Nightmare Long è uno dei miei brani preferiti dell'album. Una delle intro migliori che abbia mai sentito dai Metallica e un cambio di tempo inaspettato. Gli intrecci di chitarre sul ritornello sono veramente da brivido e in tutto il brano il quartetto non smette un attimo di picchiare sul proprio strumento. Segue Cyanide, secondo singolo estratto (vanno di fretta?), dove si sente il basso per la prima volta, nell'introduzione. Il brano in se non mi ha fatto impazzire. Come sonorità, almeno all'inizio, ricorda molto di più i brani di Load e fratello, anche se pezzi di doppia cassa riportano il tutto sullo standard del disco. Brano non indimenticabile comunque. La track seguente mi lascia interdetto: The Unforgiven III! III? Quando ho visto il titolo ho pensato che fosse una grandissima cazzata e continuo a pensarlo. Potevano metterci un altro titolo perchè il brano è veramente fantastico e non c'entra un beneamato con i due vecchi brani. A partire dall'introduzione che è un evidente citazione della musica di Ennio Morricone (che i Metallica, com'è risaputo, adorano). C'è qualche arpeggio quà e là, il cantato melanconico (unico punto in comune con le altre Unforgiven) e bei riff di chitarra. Il brano in sé non è la ballatona orchestrale (com'erano le altre due), ma piuttosto un hard rock lento dal piglio melodico che comunque non stona troppo in questo disco. Da notare il solo finale, veramente fantastico, così come l'accompagnamento strumentale. Ripeto, il titolo è una stronzata, ma il pezzo è interessante. The Judas Kiss è il brano che più di tutti sembra essere uscito da ...And Justice For All. Tecnicamente ineccepibile, continui cambi di pattern, lungo inizio strumentale e perfino il sound in generale sembra essere ispirato dal vecchio album. E' il pezzo più arduo dell'album, nel senso che è thrash vero e proprio, niente compromessi: velocità e pesantezza. Bel lavoro. Una volta i Metallica ci avevano abituati ad un brano strumentale verso il finale dell'album. Bene, dopo quattro album di assenza ecco che torna la suite strumentale mastodontica. Suicide & Redemption è senza dubbio il brano migliore dell'album, bellissimo, epico, non sta ai livelli di Orion ma c'è pure l'arpeggio centrale con conseguente guitar solo. Fantastico. La chiusura è impressionante, un brano veramente indimenticabile. A chiudere l'album c'è My Apocalipse. Come Dyers Eve in precedenza anche questo brano di chiusura è bello serrato. Come per gli altri brani, la parola d'ordine è velocità e violenza.

Voto: 8/10

Devo dire che mi ritengo soddisfatto. I Metallica hanno mantenuto le promesse e sono tornati al tanto chiacchierato thrash di cui, in effetti, loro sono fondatori e maestri. Manca in realtà il brano capolavoro, la Master Of Puppets della situazione diciamo, o la And Justice For All. In compenso tutti i brani sono molto belli (e lunghi, stiamo sugli otto minuti di media!). Quello che si dice è vero: sono tornati ai vecchi tempi e mi fa molto piacere. Otto perchè a volte le chitarre (paradossalmente) non sono aggressive quanto meriterebbero i brani e il fatto che hanno scelto quel cazzone di Rubin per la produzione mi ha deluso moltissimo. Per essere veramente un capolavoro (perchè ci manca veramente poco) le chitarre dovevano essere come quelle di St. Anger. Altra pecca la copertina: che cazzo dico io, sembra Nightmare Before Christmas, e che cavolo! Va bene che ci hanno rimesso il nome del gruppo con la scritta storica ma la bara fa proprio schifo! Sarà che mi fa pensare a Tim Burton... a parte questo, bel lavoro, veramente.

Uriah Heep

"Wake The Sleeper" 2008

Disco nuovo per gli Uriah Heep, a dieci anni di distanza dal notevole Sonic Origami, che ne ripercorre le sonorità accentuando le asperità e la complessità che caraterizza la band dall'inizio della loro non proprio esaltantante carriera. Perchè, lo dico con tutta tranquillità, gli Uriah Heep, una delle mie band preferite in assoluto (vengono poco dopo i Sabbath e i Purple) hanno fatto dischi fantastici per... tre anni, dal 1970 al '73, anno del famoso Live. Dopo di che si sono ripetuti più degli AC/DC, si sono sbavati addosso (Sweet Freedom, 1973), hanno copiato i Blue Oyster Cult (Return To Fantasy, 1975), cadendo in un hard rock rozzo e dozzinale (Fallen Angel, 1978).

Fottendosene altamente di tutto ciò, l'unico membro originale, il pacioso Mick Box, chitarrista, ha portato avanti il suo credo dickensiano (Uriah Heep è un personaggio di David Copperfield) sfornando periodicamente dischi uno più uguale dell'altro (Raging Silence, 1989 e Different World, 1991 sono uguali? Si), con lo stesso sound degli anni 70: Mick Box è rimasto al 1972, a Demons & Wizards e ad ogni disco prova a bissare il successo di quell'anno, con scarsi risultati purtroppo. Come dice la critica gli Uriah Heep sono un gruppo veramente inutile oggigiorno, continuano a sfornare dischi che di interessante non hanno nemmeno più le copertine (Rolling Stone, luglio 2008).

Fortunatamente ci siamo noi fan che ce ne sbattiamo con moderazione di tutte ste cazzate e ci godiamo l'ennesimo disco degli Uriah Heep, che sarà pure uguale al precedente ma almeno è meglio delle puttanate che escono con nomi tipo Dream Theater e schifezze protoprog varie.

Permettetemi di dire che Wake The Sleeper è un grand'album. A parlare non è il fan ciecato degli Heep, bensì un critico obiettivo che sa cos'è l'hard rock. Poteva andare peggio, molto peggio. Invece quest'album possiede potenza/possenza e sgorga energia da tutti i pori. Basta ascoltare la title-track che apre il disco, un ottimo heavy metal che ricalca perfettamente lo stile del gruppo, con la chitarra wah di Box assoluta protagonista. Gli altri brani riprendono le sonorità settantine in realtà mai abbandonate: l'ottima Overload non si discute, sembra essere uscita dal periodo d'oro della band. Bernie Shaw alla voce compie un ottimo lavoro. Non imita David Byron (almeno non troppo) ma continua perfettamente il lavoro melodico cominciato da John Lawton negli anni 70, ovvero una voce potente e melodiosa, che non stanca e soprattutto non annoia. Ai più affezionati byroniani forse mancheranno gli urletti strizzapalle ma devo dire che nel sound di questo disco avrebbero altamente cozzato. In Light Of A Thousand Stars torna protagonista l'hammond che ai bei tempi fu di Ken Hensley e ora è suonato in maniera abbastanza anonima da Phil Lanzon. Lavora di accompagnamento, tappeti sonori non proprio eccelsi, senza prendere mai posizione. Ma d'altronde il suono della band da almeno vent'anni a questa parte è completamente in mano a Mick Box, e si sente. Ghost Of The Ocean è uno dei migliori brani del disco, un bel rock'n'roll suonato in maniera veramente divina, con le complessità vocali cui gli Heep ci hanno abituato e un bel crescendo chitarristico verso il finale che sfocia in un ritmo sincopato tagliato con la motosega e un finale a doppia cassa dove risalta la chitarra wha di Box, gran bel brano. Angels Walk With You è la classica americanata (gli Heep sono inglesi). Una melodia che potrebbe essere cantata dal peggiore Joe Lynn Turner (quello dei disch solisti, Rescue You...) che però improvvisamente cambia prendendo un incedere progressive con una parte strumentale, dove finalmente vien fuori l'hammond, veramente eccelsa! Il disco si chiude con Shadow, hard rock dal riff granitico e War Child, carnevalata hard, forse il brano più debole dell'intera produzione.

Voto: 8/10

Mi fanno incazzare i critici che detraggono a priori gli Heep (e tutti i vecchi gruppi) solo perchè fanno ancora dischi. Wake The Sleeper è un disco di un'onestà disarmante: è HARD ROCK suonato coi controcoglioni, senza tanti arzigogoli. Forse non sarà la fiera dell'originalità ma i gruppi moderni dovrebbero solo che incanarsi dinanzi a tanta magnificenza e imparare, con un pò di modestia, a suonare come i maestri.

ps: la copertina fa schifo... si vede che non le disegna più Roger Dean...

Motorpsycho

"Little Lucid Moments" 2008

Inserisco dubbioso il cd nello stereo. Tutti mi parlano bene di questo gruppo norvegese. Saranno così bravi? Per quanto mi riguarda gli unici gruppi moderni per i quali mi sono veramente sprecato sono stati i Mars Volta e i Mammatus. I Motorpsycho vivono nel circuito underground dal 1990 e io ne ho sentito parlare solo con l'uscita dell'ultimo album. Secondo molti il loro capolavoro. Non conoscendo gli altri dischi della loro sconfinata discografia mi limiterò a parlare brevente di questo album.

Beh, la prima reazione è stata: CAZZO! Possibile che mi sono sfuggiti per tutto questo tempo?!? Come mai non mi sono mai accorto di loro?

Questo disco è veramente impressionante: quattro brani (come si faceva una volta, la title-track dura 22 minuti) di musica veramente grandiosa. Parlare di un genere è abbastanza complicato: con i Mars Volta condividono lo spirito sperimentale, ma la loro musica è molto più semplice e diretta. Diciamo che di base è hard rock. Hard rock che poi si allarga, raggiunge la psichedelia (nella title-track), il progressive, il noise (She Left On The Sun Ship), l'acid rock e, perchè no, anche un art rock alla Van Der Graaf Generator, attraverso virate mai scontate e accurate. Niente virtuosismi eccessivi (i Mammatus sono molto più bravi a suonare) anche se il livello medio non è per niente male.

Voto: 9/10

La recensione non è accurata ma ci tenevo a riportare le impressioni suscitate dal disco mentre lo ascoltavo la prima volta. E' veramente un gran bell'album, raro di questi tempi. 9 perchè alcuni echi post/rock anni 90 non mi sono piaciuti, altrimenti era perfetto.

Hendrix is God and in Clapton we trust

Chiunque tenti un approccio al mondo della chitarra si trova inevitabilmente di fronte due grossi nomi con i quali fare i conti: Jimi Hendrix e Eric Clapton. Anche chiunque approdi nel mondo del rock, anche solo per sbaglio, sa che le colonne portanti del genere sono un paio di canzoni come Voodoo Chile (Slight Return) e Layla.

Il primo, Hendrix, è americano, di Seattle per la precisione, anche se il vero battesimo avviene proprio in Inghilterra in un periodo (il 1966) in cui, stranamente, il blues americano, quello vero diciamo, viene completamente "rubato" e fatto proprio dagli inglesi che, indubbiamente, lo suonavano meglio (basta guardare i Rolling Stones). Fulgido esempio di questa tendenza è un album storico: Beano, il primo disco dei Blues Breakers di John Mayall con un allora semi sconosciuto Eric Clapton alle chitarre. Hendrix nel 67, supportato da Chas Chandler degli Animals, viene introdotto nell'ambiente blues inglese e il resto è storia.

a allora il luogo comune maggiore è il reputare i due grandissimi chitarristi come antagonisti l'uno dell'altro. Niente di più sbagliato. Hendrix era un grande estimatore di Clapton, andava letteralmente in delirio per i Cream tanto che spesso, nei suoi concerti con gli Experience, riproponeva Sunshine Of Your Love. Proprio durante la registrazione di Layla and Other Assorted Love Song dei Derek and the Dominos, Hendrix morì di overdose, a quel punto Clapton decide di includere una sua personale reinterpretazione di Little Wing, canzone che nel contesto assume un significato ancora più profondo. Lo stesso Clapton compare nel film Jimi Hendrix, di Peter Colbert, in una commovente intervista in cui parla della profonda amicizia e del rispetto che legava i due chitarristi.

Clapton era il dio incontrastato del blues inglese. Chitarrista venerato e irraggiungibile. Scrive la storia non solo con John Mayall ma anche e soprattutto con i Cream, insieme a Jack Bruce e Ginger Baker. Da allora il gruppo è considerato il must assoluto del rock blues di quel periodo. Poi arriva dall'altra parte del mondo un trio di fuori classe che poco ha che invidiare ai colleghi inglesi: gli Experience. Se Ginger Baker era il "batterista" per eccellenza (numerosissime esperienze in ambito jazz e blues prima dei Cream), Mitch Mitchell degli Experience era un signor nessuno con tanta voglia di fare casino. Ora, quando il gruppo di Hendrix arrivò in Inghilterra probabilmente la gente dovette ricredersi: come mai un gruppo di sconosciuti (gli Experience) suona meglio degli iperfamosi Cream?

Gli Experience erano molto più selvaggi dei Cream. Hendrix teneva gli amplificatori talmente alti che la gente usciva dai concerti con le orecchie che fischiavano. In oltre aveva una presenza scenica che tutti i Cream messi insieme non riuscivano ad eguagliare. Maltrattava la chitarra come nessuno ed era una novità assoluta: quella Stratocaster subiva più violenze di una donna stuprata. L'Inghilterra impazzì per quel trio. A conquistare il mondo ci hanno messo meno di un mese.

Nonostante questo Clapton ammise più di una volta di avere una tecnica molto più semplice di Hendrix. La stima che provava per lui era impressionante ed è curioso sentire poi Hendrix parlare di Clapton come un messia, un chitarrista grandioso, molto migliore di lui sotto tutti i punti di vista. Hendrix possedeva una modestia rara per un chitarrista che ha cambiato la storia. Clapton era più realista ma non ha mai denigrato colui che lo spodestò dal trono, se così si può dire.

Nacquero allora due scuole: il blues di Clapton e il rock di Hendrix. Il primo lasciò completamente perdere il rock esplorato nei Cream per registrare dischi sempre più belli, in bilico tra blues più viscerale e rock'n'roll più vecchio; il secondo visse i tre anni (1967-1970) più intensi che un chitarrista potrebbe mai desiderare. Registrò tre dischi storici (Are You Experienced?, Axis: Bold as Love, Electric Ladyland) e un numero enorme di live. Poi si spense proprio mentre sembrava ad un passo dal compiere un altro miracolo (il primo era Electric Ladyland). Il miracolo si chiamava Cry Of Love, uscito postumo e, purtroppo, incompleto.

Io continuo a ringraziare questi due grandi chitarristi che, anche se uno è morto, continuano a darmi emozioni che pochi altri riescono a darmi.

INLAND EMPIRE

di David Lynch, con Laura Dern, Jeremy Irons, Harry Dean Stanton, Justin Theroux

Per chi non lo conoscesse, posso dire due parole su David Lynch: un genio. Un genio che è stato in grado di far diventare ogni suo film un cult, quale altro regista ci è riuscito? Qualche titolo: Dune, assoluto capolavoro della fantascienza; The Elephant Man, tra i più bei film di sempre; Velluto Blu, il film che ha riportato il cinema americano ad una qualità fino ad allora solo auspicabile; Eraserhead, suo prima opera completa, praticamente uno dei più grandi cult di sempre. Questi sono solo alcuni titoli, se non vi bastano posso aggiungere che Lynch è il geniale autore/creatore di una serie tv come Twin Peaks. Non so se mi spiego.

Il suo cinema si contraddistingue per la continua perdita della realtà (o realtà completamente rinnovata come in Dune o Eraserhead), per il piglio psicologico dei suoi personaggi (dei veri e propri eroi metropolitani), per il continuo bombardemento allo spettatore di visioni oniriche, sogni, distorsioni, mostri, incarnazioni del bene e del male, meandri oscuri dove chi guarda è costretto a lasciarsi trasportare dalla bellezza delle immagini, dal susseguirsi di scene apparentemente inspiegabili. L'inspiegabile è proprio la chiave di tutti i suoi film.

Lynch è regista assai contestato per la poca chiarezza dei suoi film. Anche nelle sue rare apparizioni in pubblico non fa che ripetere che non bisogna darsi una spiegazione dei suoi film. Bisogna solo viverli. Lynch cerca di dar vita ai diversi moti dell'essere, all'essenza delle cose, mette per immagini le paure a tutti comuni e crea intorno ad esse involucri angoscianti di sequenze senza significato, lunghi silenzi con la sola inquadratura degli occhi del protagonista (Kyle MacLachlan in Velluto Blu ne è un grande esempio) e distrugge il concetto di piano dimensionale, creandone di volta in volta di nuovi, massacrando la trama, riducendo all'osso la stessa idea di narrazione.

Dopo aver esplorato (sempre a modo suo) i sentieri della storia d'amore con un particolarissimo road movie come Cuori Selvaggi (1990) (il miglior film di Nicolas Cage, senza dubbio); dato al mondo un capolavoro immane come Strade Perdute (1997) e regalato un racconto semplice e commovente come Una Storia Vera (1999), da vita nel 2001 ad un'opera che lo consacra definitivamente tra i mostri sacri del cinema: Mulholland Drive. Famoso per le scene erotiche lesbo tra le protagoniste (Naomi Watts ed un'eccitantissima Laura Elena Harring), sbalordì il pubblico per la narrazione assai controversa di un thriller metafisico di impareggiabile levatura.

Non soddisfatto dei capolavori fino ad allora partoriti, da vita ad un altro ambizioso progetto: INLAND EMPIRE (scritto rigorosamente maiuscolo su tutte le pubblicità), l'impero della mente. Lynch ci mette tre anni a girare questo film (in realtà pochi mesi di riprese) e lo nomina direttamente come la sua più grande sperimentazione. E' un film immenso, senza dubbio, impossibile da raccontare ma assolutamente necessario per chi ama questo regista.

Lynch gira per la prima volta in digitale. L'incontro tra il digitale e Lynch lascia esterefatti: ci si aspeterebbe una qualità d'immagini superba e invece ecco lì che ci troviamo tre ore di film girati come se a tenere la macchina fosse il babbo nell'uscita domenicale: il tratto è nervoso, ricco di movimenti, con zoom repentini e cambi di sequenza altrettanto veloci. Lynch usa il digitale per giocare con questi effetti, rimanendo a lungo sui primi piani dei personaggi e usando la fedeltà del nuovo formato per raccontare la sua storia esattamente come l'ha concepita: secondo per secondo. Può lasciare stupiti, ma INLAND EMPIRE è stato girato interamente senza sceneggiatura. Lynch sostenne che l'intera opera era già stata girata nella sua testa, pertanto bastava che gli attori seguissero esattamente ciò che lui, con dovizia di particolari, suggeriva.

Il risultato è l'odissea personale di Nikki (una magistrale Laura Dern), che ricevuta la parte per un oscuro remake di un film, comincia la sua vita di nevrosi e ricerca dell'amore. Si potrebbe definire INLAND EMPIRE come una storia d'amore, per certi versi, e un fitto dramma psicologico per altri. Se l'inizio sembra linere (ma mai troppo: comincia con una puttana polacca che guarda una sitcom fatta da conigli!), mano a mano il tessuto narrativo perde il suo stesso significato: Laura Dern impersona allora tutte le sfaccettature di Nikki: come attrice, come puttana, come assissina e, infine, come se stessa. Il film è una visione onirica di una donna in pericolo (come l'ha definita lo stesso Lynch) che cerca di salvarsi da se stessa, dai suoi demoni, da suo marito, da tutti ciò che il regista, con bravura sopraffina, ci mostra durante il film. Difficile dire altro sulla trama perchè di fatto, la trama, non c'è. Le immagini si susseguono una dietro l'altra, senza apparente logica (ma la logica c'è, c'è...), con scene autoconclusive che distraggono lo spettatore dalla storia originale (la Nikki attrice) portandolo in un labirinto senza uscita, buio, fatto dagli incubi che Nikki crea.

Voto: 10/10

Tutti i film di Lynch non scendono al di sotto del dieci. Un regista (perchè tutte le sue opere seguono lo stesso filone) che si ama o si odia. INLAND EMPIRE sbalordisce per la cruda realtà sognante che Lynch con bravura ci regala: proviamo gli stessi incubi di Nikki, le stesse paure, le stesse angosce. In questo Lynch è insuperabile.